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Hasta el 24 de abril se presenta la muestra fotográfica “Fragmentos de un año” en la Sala Estudio General del Centre Cultural La Nau de la Universidad de Valencia, organizada por la Unión de Periodistas Valencianos y la Universidad de Valencia. La muestra rinde tributo a los reporteros gráficos que durante el año 2010 recogieron las mejores fotografías periodísticas del año.

Son 29 periodistas gráficos que en su búsqueda de las noticias más destacadas del año pasado han registrado una parte de la historia de Valencia, resumida en 106 imágenes que pasarán a conformar la memoria de un tiempo. Las fotos están clasificadas por actividades: economía, sociedad, cultura, política, deportes y se complementan con pequeños textos que enmarcan la historia de cada instantánea.

La máxima, que una imagen vale más que cien palabras, está completamente validada en esta muestra que recuerda la llegada del tren de alta velocidad a Valencia, con su impacto social, económico, así como las acumulaciones de residuos nucleares o las celebraciones deportivas, la crisis económica en el escenario político previo a las elecciones. En cada una de ellas dejan expuestas las complejas relaciones político sociales y los intereses que desfiguran los encuentros entre el Gobierno central y el autonómico.

Desde su nacimiento el fotoperiodismo ha estado ligado a la fotografía artística por su particular ángulo de captura de la realidad. La primera fotografía periodística la publicó el Daily Graphic en 1880, a partir de ese momento se transformó en el medio objetivo de representar los hechos periodísticos. La ilustración de historias con fotografías fue posible gracias al desarrollo de la imprenta que pudo publicarlas en 1880, gracias al los avances que había alcanzado la técnica fotográfica. Sin este género periodístico no podríamos tener imágenes tan dramáticas como la de los campos de concentración nazis al final de la Segunda Guerra Mundial o las que sacudieron a la humanidad durante la Guerra de Vietnam. Hoy podemos documentar la memoria con imágenes representativas de los grandes triunfos de la humanidad y los peores momentos vividos en los últimos siglos.

Los avances técnicos han facilitado la producción y reproducción del fotoperiodismo. Hasta pocos años atrás el reportero gráfico era un especialista que debía dominar la cámara y la película a la perfección, bastaba un pequeño error en la luz o en la velocidad para que se dañara el instante en que ocurría la noticia. La perfección no estaba sólo en la mirada, sino que en una larga trayectoria de errores y persistencia. El surgimiento del color, las películas sensibles y las cámaras automáticas facilitaron la tarea de captar un momento único que fija la noticia.

Si bien fotoperiodismo se sitúa en áreas de interés de la actualidad informativa y da seguimiento a los hechos de manera creativa, existe una pléyade de periodistas gráficos que han pasado a la historia como grandes artistas y defensores de la libertad de expresión.

Para más información http://www.uv.es/cultura/c/docs/expfragmentsdunany11cast.htm

Nancy Guzman

“Fragmentos de un año” es una gran exposición de la realidad y un reflejo del compromiso con la libertad de expresión de los profesionales del fotoperiodismo. Así que si quieres conocer los principales hitos que marcaron el 2010 a Valencia, acércate a la Sala Estudio General del Centre Cultural La Nau y disfruta de cada imagen, luego disfruta de momentos gratos en apartamentos en Valencia

Contáctame 

Hasta el 03 de junio de 2011 se exhibirá en la Filmoteca de Valencia un ciclo de películas, corto y largo metraje, dirigidas por el cineasta francés François Truffaut. El ciclo compuesto por 23 películas que van desde 1960 a 1983 rinde homenaje a uno de los  cineastas destacados de la Nouvelle Vague  y paradigma del cine “de autor” europeo.

François Truffaut, hijo adoptado de un arquitecto y una secretaria del periódico L’Ilustration, nació en Paris, Francia, en 1932. Desde joven fue un persona muy solitaria que dedicaba gran parte de su tiempo a la lectura, afición que derivaría en su pasión por el cine. La pobreza de la post guerra lo lleva a trabajos menores y a un breve paso por la correccional tras la denuncia de su padrastro por un hurto menor. Sin embargo su amor por el cine lo hace superar los traumas infantiles y se enfoca a la creación de un pequeño cine-club que financia con trabajos esporádicos. Crítico, rebelde y creativo deserta del Ejército francés mientras se encontraba en Alemania y es detenido en una prisión militar.

Apadrinado por el crítico de cine André Bazin, comienza a trabajar a los 18 años en la revista Travail et Culture. Bazin le enseña a redactar, corrige sus notas y discute sobre cine con el joven Truffaut. Tres años después, en 1953, escribe sus primeras críticas en la prestigiosa revista especializada en cine Cahier du Cinéma, donde su escritura ágil y apasionada contagia a los lectores el amor por el cine. Al año siguiente realiza su primer cortometraje.

A principios de 1954 escribe un artículo en Cahier du Cinéma que lo hará famoso: “Una cierta tendencia del cine francés”. En él introduce una discusión que se encontraba soterrada entre los nuevos directores y los pertenecientes al estamento cinematográfico francés y abrió paso a las teorias de la Nouvelle Vague.

Su visión crítica al cine academicista, acartonado y conservador lo lleva a descubrir nuevas estructuras narrativas que rompen con los convencionalismos del cine francés de los 50, de allí que destaca como un cineasta lúcido, renovador, ambicioso, rupturista que integra elementos conceptuales a las tramas argumentales de sus películas.

En su primer largometraje, “Los cuatrocientos golpes” (1959), Truffaut relata un trozo de su propia vida infantil y la convierte en el primer largometraje de la Nouvelle Vague. La literatura fue un tema recurrente en sus películas, rindiendo homenaje a Ray Bradbury en “Fahrenheit 451”, a   Víctor Hugo en “Diario Íntimo de Adele H.”, y adaptando obras literarias en películas “Las dos Inglesas y el Amo”r y “Vivamente el domingo”.

La fama de François Truffaut cruzó el atlántico en 1977 cuando el director Steven Spielberg lo contrató para su película de ciencia ficción, “Encuentros en la Tercera Fase”. Truffaut falleció tempranamente en 1984, de un tumor cerebral.

Para más información: http://ivac.gva.es/la-filmoteca/programacion/ciclos/ciclo_850/franois-truffaut-el-deseo-del-cine

Nancy Guzman

Si quieres conocer al más grande director de cine francés, guionista, actor y escritor François Truffaut y te encuentra de paso por Valencia, no puedes perderte este ciclo de cine. Luego de este gran panorama, lo correcto es que disfrutes de tu estadía en apartamentos en Valencia

Contáctame 

El IVAM exhibe la obra de Pang Xungin sobre la contribución al arte chino tradicional en un contexto de modernidad artística hasta el 17 de abril. La muestra China Decoration Figure está enmarcada en el Convenio de Colaboración suscrito con el Museo de Arte de Changshu.

La exposición enmarcada en la línea de “Arte y Diseño”, pone de manifiesto la contribución de la obra de Pang Xungin al arte chino tradicional en un contexto de modernidad artística, adquirido del movimiento francés Art Nouveau tras estudiar en París.

Pang Xungin, hijo de un destacado pintor, nació en 1906 en Shangai. Gracias a su buena posición familiar pudo salir a estudiar en la Academia Julian de Paris en 1925. A su regreso a China forma la Sociedad de la Tormenta y escribe su manifiesto donde incita a buscar un arte moderno en las raíces de la cultura, convirtiéndose en el representante de la vanguardia artística y uno de los defensores del modernismo en China. El grupo de la Sociedad de la Tormenta alcanzó a realizar cinco exposiciones antes del estallido de la guerra con Japón en 1937.

La unión entre imaginería poética de la tradición artística oriental y la occidental impregnó su obra de vigor.  En su búsqueda de nuevos patrones decorativos, trabajó las imágenes en los antiguos documentos y en los artefactos, realizando una sistematización que subjetivó en sus obras. Tal como decía en sus escritos “Yo no pinto nada en particular, yo sólo pinto lo que está dentro de mi corazón. Cualquiera que sea el objeto o la escena que estoy pintando, no es lo que determina a la forma de lo que estoy pintando, son mis emociones y lo que siento al respecto”.

En su cuadro “Hijos de la Tierra” ironiza el poder del emperador Chino, que era denominado “Hijo del Cielo”. La obra en óleo es una escena de niños campesinos pobres inspirada en las hambrunas producidas por las sequías. En la primera exhibición la obra fue censurada por ser considerad una crítica al gobierno chino. Más tarde, durante la Revolución Cultural de Mao Tse-tung, sería destruida junto a gran parte de su obra.

En los años 40 obras recopilando imágenes antiguas de la China que moderniza y los emplea en los diseños de alfombras, jarrones y telas. Su investigación en el diseño y la aplicación al arte decorativo lo transforma en un maestro de nuevos artistas. En 1956 funda la Academia de Artes Decorativas y Diseño de la Universidad Qinghua, con el apoyo del primer ministro Zhou Enlai.

A veintiséis años de su muerte sus obras se exhiben en el Museo de Changshu, en la provincia de Jiangsu. A pesar del escaso presupuesto que recibe anualmente, es conocido mundialmente por tener la obra de Pang Xungin entre sus colecciones, cuyo valor en las subasta excede con creces el presupuesto del museo.

Para más información: http://www.ivam.es/exposiciones/2875-china-decoration-figure-pang-xungin

Nancy Guzman

Conocer la obra de Pang Xungin es un privilegio imperdible, sólo tienes que pasar por el IVAM si estás de paseo por Valencia, luego podrás disfrutar de otros privilegios como descansar en apartamentos en Valencia

Contáctame 

Hasta el 1° de Mayo se presentará en el IVAM la obra del principal pintor surrealista latinoamericano, Roberto Matta. Matta es una de las figuras más destacadas en el arte del siglo XX.  La exposición conmemora el centenario de su nacimiento y busca mostrar los momentos más significativos de su compleja obra.

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren nació en Santiago de Chile, en 1911. Hijo de una familia acomodada de origen vasco-francés, estudia arquitectura en la Universidad Católica de Chile. Interesado por las teorías sobre la arquitectura de Charles Jeanneret-Gris, más conocido como Le Corbusier, viajó a Paris en 1933. Su inicio en la pintura es autodidacta, aunque asistió al taller de Hernán Gazmuri.

Su mirada sobre el arte como la representación de la vida en constante transformación, movimiento y descubrimientos va a marcar su búsqueda estética. Si bien se le clasifica como un surrealista y metafísico, su pintura va a tener una enorme influencia en el  expresionismo abstracto de los artistas norteamericanos de los 40, donde Matta emigra tras el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Los tamaños monumentales de su obra influencian a la vanguardia norteamericana, entre ellos a William Baziotes, Germone Kramowski, Pollock, Motherwell y otros miembros de la que será la Escuela de Nueva York.

Su relación afectiva e intelectual con España fue trascendente, puesto que en un viaje a Madrid  conoce a Rafael Alberti, Pablo Neruda y a Federico García Lorca, quien le regala un libro con una nota de presentación a Dalí que vivía en París. Gracias a la nota de García Lorca, Dalí lo presenta con André Bretón, quien se entusiasma con su pintura comprándole dos dibujos e integrandolo a las tertulias del grupo surrealista en el café Aux Deux Magots.

En 1936 escribe en Estocolmo el guión cinematográfico La Terre est un Homme, en honor al poeta Federico García Lorca asesinado por tropas falangistas. Al año siguiente, participa  en el diseño del Pabellón de la República Española en la Exposition Internationale de Paris, a solicitud de Lluís Sert y Luís Lacasa. Durante esa etapa visita a Picasso que está terminando Guernica y conoce a Magritte, Miró, Eluard.

En 1948 es expulsado del Grupo Surrealista y once años más tarde reincorporado. Matta fue un surrealista universal y su obra fue influenciada por el muralismo, que exigía una enorme superficie, y que después plasmó en la creación de murales colectivos en Chile, durante el gobierno de Salvador Allende.

Tras el golpe de Estado en su país, Matta realiza exposiciones denunciando los crímenes de Pinochet y se suma a la protesta mundial contra las dictaduras en América Latina, cambiando su nacionalidad a la francesa, cubana y española. Su burla por el elogio de la crítica lo llevó a decir que le parecía que esta era la expresión de la “bolsa de arte”, haciendo referencia a la relación entre la crítica y la comercialización del arte y la creación.

El 25 de noviembre de 2002 murió en Roma el que hombre había definido al surrealismo como la búsqueda de la poesía permanente.

Para conocer a Matta, el hombre irreverente, el artista universal ciudadano de tres países, que se jactaba con humor de ser uno de los sobrevivientes nacido el 11- 11-11, tiene que visitar la exposición en el IVAM y con la poesía en permanente creación, descansar en apartamentos en Valencia.

Para más información http:/www.ivam.es/exposiciones/2851-matta



Nancy Guzman

Para conocer a Matta, el hombre irreverente, el artista universal ciudadano de tres países, que se jactaba con humor de ser uno de los sobrevivientes nacido el 11- 11-11, tiene que visitar la exposición en el IVAM y con la poesía en permanente creación, descansar en apartamentos en Valencia

Contáctame 

Desde el 3 de marzo al 17 de abril se exhibirá en el IVAM las esculturas del pintor y escultor francés, Edgar Degas, cuyas composiciones innovadoras, su fino análisis del movimiento y su trazo sin igual lo convirtieron en uno de los maestros del arte moderno de finales del siglo XIX.

La muestra que se realizará en la galería 4 del IVAM, precedida por la que dedico en 2008 y 2009 la Fundación MAPFRE de Madrid con obras del Museo d’Orsay de Paris y del Museo de Arte de Sao Paulo en Brasil, está compuestas por la serie de esculturas que Degas realiza en su última etapa y destacan su magistralidad para captar la esencia del movimiento de la figura humana.

Hilaire Germain Edgar Degas nació en Paris en 1834, en el seno de una acaudalada familia de banqueros. Tímido, solitario que gustaba de la contemplación y poco afecto a las amistades y la vida social era el jóven Degas. Apoyado por su padre dejó los estudios de derecho para dedicarse a lo que más amaba, la pintura. Sus maestros fueron los pintores Barriasy y Louis Lamothe, discípulo del pintor neoclásico Dominique Ingres.

Su primera incursión en la pintura la realizó en una serie de autorretratos donde se aprecia la influencia de Ingres. En 1865, influido por el movimiento impresionista, abandonó su formación neoclásica para dedicarse a captar la realidad. Su especial capacidad de observar detalles y movimientos queda plasmada en toda su obra. Degas capta la esencia de los personajes y la circunstancia que rodea la escena dando vida en sus cuadros a situaciones de la vida cotidiana.

Impactante es el óleo sobre lienzo que lleva por título La Violación. Si bien no está la escena de la violación, la imagen de fragilidad física de la niña semi desnuda de espalda y la del hombre en semipenumbra del cuarto, son profundamente explícitas del acto de violencia sexual y de la significación de poder, que Degas reproduce con magistralidad.

Su descubrimiento del fascinante mundo escénico en la pintura, impregna de un sello particular a su obra. En sus encuadres espontáneos esconde una compleja trama de detalles que van a ser fundamentales para la representación realista. Los rostros, las expresiones, las vestimentas, las poses corporales, los detalles del mobiliario y la luz reflejan la vida cotidiana de Europa del siglo XIX.

A pesar de ser calificado como un impresionista, rechazó pintar al aire libre y a incursionar en el uso de la luz natural. A pesar de ello, participó en siete de las ocho exposiciones que realizaron los impresionistas.

En 1880 comienza a perder la visión e inicia su etapa de esculturas y pastel. En sus esculturas de las bailarinas y desnudos femeninos atrapa de manera magistral el movimiento, denotando su capacidad de observación, la magistralidad y la dimensión artística de su trabajo.

Para más información http://www.ivam.es/exposiciones/2852-las-esculturas-de-edgar-degas

Nancy Guzman

Para ver la perfección del movimiento del cuerpo humano que Degas alcanzó en sus esculturas, no deje de visitar su exposición en el IVAM si viaja a Valencia, luego podrá mirar el movimiento en acción en las calles y retirarse a descansar en apartamentos en Valencia

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Nacho Vegas, nacido en los años 70 en Gijón, es el cantautor Indie de España por excelencia. Toda una efigie de la elegancia y proliferaza lírica, Vegas, pertenece a esa estirpe de artistas que dice lo que piensa, desde lo más íntimo  y desgarrador de los abismos de su ser, hasta lo políticamente incorrecto.

Por ello, no sorprende que para muchos Vegas sea el Will Oldham de España, un cantautor de película, siempre acompañado por la oscura sombra de la obsesión y del desborde emocional.  Y así es Vegas, siempre directo y honesto, su música es terapia personal, en donde despilfarra todo su ser, para bien y para mal. Sin embargo, Vegas mismo considera sus influencias más importantes los míticos cantautores Bob Dylan, Townes Van Zandt y Tom Waits.

Sus primeros pasos en la música los dio con la banda Eliminator Jr. a principios de los años 90. Pero a finales de la misma década, Vegas dejó el grupo para embarcarse en su trayectoria artística en solitario. Desde entonces ha lanzado cinco discos, empezando por su opera prima “Actos inexplicables” del año 2001, terminando con “La zona sucia”, que se editará en febrero del 2011.

En el 2007, Vegas el rey del Indie español, unió fuerzas con la musa del mainstream por excelencia, Christina Rosenvinge, con el mini-CD Verano fatal, que le abrió las puertas a un público masivo. Una colaboración, que terminó llamando la atención de la prensa rosa, que especulaba que Vegas y Rosenvinge compartían más que su pasión por la música.

El 31 de marzo llega a Valencia para presentar su último disco, para ser concretos, en la sala Mirror. Más información encontrarás aquí: http://www.songkick.com/concerts/7458241-nacho-vegas-at-sala-mirror

Heloise Battista

Para todos los fans de Nacho Vegas, seguramente un evento imprescindible. Si quieres escuchar la poesía de este fantástico cantautor, te animamos alquilar apartamentos en Valencia y reservarte una entrada para este increíble evento.

Contáctame 

Hasta el 20 de marzo estará abierta la exposición de fotografías de Bernie Dechant en el Institut Valencia d’Art Modern, comisariada por Andy Patrick. La exposición explora los contrastes y similitudes estéticas de las personas, objetos y arquitectura a partir de los viajes de DeChant a Brasil, Marruecos, China, Japón y Estados Unidos.

Bernie Dechant nació en Wisconsin, Estados Unidos, en 1972. Estudió bellas artes y diseño gráfico en la Universidad de Wisconsin- Madison y se dedicó al cine y la fotografía. Fue cofundador de la reconocida empresa de diseño de páginas web, Adjacency, director artístico del proyecto Adobe.com y de la primera tienda en línea de Apple.

Su arribo a la fotografía fue el año 2000. Sus temas recurrentes son las ciudades con todos los elementos que están en su entorno: la belleza, la soledad, la violencia que trasuntan un realismo lírico impreso en sus obras.

En Brasil and Beyond, Dechant nos sumerge en la estética comparable de las ciudades donde la arquitectura y la compleja estética social se confunden, creando imágenes con sentido pictórico que nos obliga a mirar más de cerca para conectarse con el lugar.

La composición cinematográfica de sus fotos, donde la luz brillante juega con las sombras y los contrastes, captan los ritmos de las ciudades y sus texturas arquitectónicas. Interesante es su fotografía de las fabelas de Río de Janeiro, cuya cromática y texturas visuales lo acerca a la pintura vanguardista. El mismo efecto se encuentra en la fotografía tomada a un edificio en Brasilia, cuya textura y efecto visual nos recuerdan los trazos y retículas de Piet Mondrian. El recuerdo de Salvador Dalí o René Magritte surge en la foto casi surrealista de un edificio de Brasilia que tiene una construcción gigantesca que asemeja a un platillo volado invertido y un hombre posando a su lado.

Sus composiciones captan la grandiosidad del hombre y su ilimitada capacidad de vencer la adversidad, soñar e idealizar el futuro reflejando la grandiosidad de la promesa futurista. Promesa que ha representado como Brasil en 1956, cuando los arquitectos Lucio Costa y Oscar Niemeyer construyeron una ciudad moderna en medio de la selva -en 1987 la UNESCO declaró a Brasilia Patrimonio cultural de la humanidad por ser la única ciudad del mundo construida en el siglo XX-.

El Tokio colorido, moderno, cosmopolita que año a año debe pelear con el restringido espacio geográfico para contener a su población. O la China antigua, sobre poblada y contaminada, que comparte con la modernidad una misma cultura. O simplemente el exótico Marruecos, donde la luz invita a al fotógrafo a captar calles, personas

La gran calidad artística de sus fotos y la técnica de la luz que utiliza para dramatizar los contenidos y construir una obra secuencial lo ha llevado a exponer en el Museo de Oscar Niemeyer de Curitiba, Brasil y en Bruselas.

Para mas informacion visite la web: http://www.ivam.es/exposiciones/2854-brasil-beyond-fotografas-de-bernie-dechant

Nancy Guzman

Conocer la obra fotográfica de Bernie Dechant es una gran propuesta, no sólo porque es un importante fotógrafo contemporáneo, sino porque es una bella muestra que nos traslada a otras realidades, aunque nuestra realidad sea placentera en apartamentos en Valencia

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La Filmoteca de Valencia del Instituto Valenciano de Artes Visuales, presenta dentro de sus interesantes ciclos, “Maestros del Polar” durante todo febrero y hasta el 2 de marzo. Un ciclo que recoge ocho filmes policíacos franceses; y que incluye desde los precursores de los años 30 y 40, como Jean Grémillon, hasta trabajos mucho más recientes como la película de Xavier Beauvois,  “Le Petit lieutenant” (El Joven teniente) del 2005.

Por supuesto que en este recorrido no pueden faltar los maestros indiscutidos de este genero como son H. G. Clouzot, Jacques Becker, Jean-Pierre Melville y el recientemente desaparecido Alain Corneau.

En el caso de Corneau, quien falleciera el pasado mes de agosto en París, dos serán las obras que la filmoteca exhibirá en su homenaje. La primera “Serie Negra” (Série Noire) realiza el año 1979 y “Policia Python 357” , película inspirada en el ya conocido Harry el sucio y con la actuación de su gran amigo Yves Montan, coproducida por Alemania, Italia y Francia en el 1975

El más joven de los directores convocados para este ciclo, es Xavier Beauvois; quien también se ha dedicado a la actuación y al guión.  En 1995, Beauvois recibe el Premio del Jurado en Cannes por su película “No olvides que vas a Morir”. En este ciclo veremos su experticia con “El joven Teniente” realizada 10 años después.

El cineasta Jacques Becker, otro de los grandes y quien rodó y trabajo junto a Renoir y Pierre Prévert, estará presente con su  película del año 1953, “Touchez pas au Grisbi”, basada en la novela de Albert Simonin. Esta película se transformo en poco tiempo en el prototipo del cine negro francés y sirvió para relanzar la carrera del actor Jean Gabin.

Por su parte el trabajo de Henri-Georges Clouzot, otro de los magos del cine negro la podremos saborear en su film “Quaides Orfèvres” del año 1947 y su obra maestra “Cuervo” de 1943, acusada de ser una película colaboracionista por haber sido financiada por dinero de una productora Nazi, como muchas de ese momento en Francia, fue prohibida y Clouzot fue inhabilitado para hacer películas por un tiempo prolongado.

Jean-Pierre Melville, considerado uno de los precursores de la Nouvelle Vague y por supuesto uno de los principales exponentes del cine polar. Sus películas están en su mayoría basadas en historias de gángsters y de personajes que han vivido la Segunda Guerra Mundial o durante la Fracia ocupada por el nazismo, como una especie de autorretrato. Para este ciclo será exhibida  “Circulo Rojo” de 1970.

Finalmente, el trabajo de Jean Grémillon con L’étrange Monsieur Victor 1938. Después de dirigir una serie de documentales durante la década del 20, tuvo su éxito sustancial con su primer film dramático “Maldone” de 1928, entrado con pie derecho en su carrera como director de lover the next quarter-century, he directed twenty more feature films, of which he is best known for five made between 1937 and 1944: L’Étrange M. Victor , Gueule d’amour (1937), Remorques (1941), Lumière d’été (1943), and Le Ciel est à vous (1944).argometrajes de cine negro.

Para mas detalles consulte la web: http://ivac.gva.es/la-filmoteca/programacion/ciclos/ciclo_865/maestros-del-polar

Nancy Guzman

Así que si es amante del cine francés, más del cine negro y esta pasando unos buenos días en apartamentos en Valencia no se puede perder esta lluvia de maravillas cinematográficas en la Filmoteca.

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Si hay una fiesta conocida en todo el mundo, esa fiesta son Las Fallas.  También llamadas Festes de Sant Josep (en honor a San José, patrón de los carpinteros), comienzan el día 15 y terminan el 19 de marzo con La Cremà. Además de celebrarse principalmente en la ciudad de Valencia, también se celebran en numerosas localidades de las provincias de Valencia y Castellón.

Sus orígenes se remontan a la costumbre de quemar desechos de los talleres de carpintería. Pero el pueblo valenciano ha ido enriqueciendo la costumbre con todos los rasgos propios de su cultura e historia.  Hoy en día, esta fiesta de Interés Turístico Internacional, gira alrededor de unas construcciones artísticas de materiales combustibles que, en su conjunto, representan figuras llamadas ninots y otras composiciones. Aunque han ido evolucionando, antiguamente los materiales utilizados eran papel, cartón y madera, siendo actualmente de poliestireno las figuras más voluminosas.  Cada artista faller posee sus técnicas, trucos, diseño y sistemas de montaje de sus monumentos.

Existe una clara alusión a la llegada inminente de la primavera, pues su celebración coincide con el equinoccio.  Pero además, la tradición apunta que al quemar aquello que no nos gusta, terminamos con ello. Uniendo el fuego, la música, la pólvora y la calle… Entenderemos mejor la fiesta de Las Fallas, que no son solamente una representación artística, sino una crítica social interactiva y divertida de cara al público. Y en base a ello, podemos encontrar junto a los ninots, pequeños escritos haciendo sarcástica referencia a los hechos y curiosidades que tengan que ver con los personajes que representan.

Existen multitud de comisiones falleras, que son grupos de personas que plantan una falla en su recinto vecinal. Durante todo el año, cada comisión busca fuentes de financiación para su monumento y actividades. El Casal Faller es donde cada comisión fallera se reúne para celebrar comidas, cenas, verbenas y todo tipo de actividades festivas.  Estos “casals” son locales propiedad de los falleros, pero por lo general, se caracterizan por compartir su fiesta haciendo partícipes a cuantas personas los visiten.  Cada falla y comisión tiene una Fallera Mayor, una Fallera Mayor Infantil y un presidente.

Pero además, la fiesta fallera incluye espectáculos pirotécnicos como La Despertà, La Mascletà y castillos de fuegos artificiales que se disparan cada noche.  El más importante e impresionante es el de La Nit del Foc, donde han llegado a reunirse más de un millón de personas para admirar los 15-25 minutos en los que se queman alrededor de 3000 Kg de pólvora que explotan con todo tipo de grandiosas formas de colores y sonidos.

Múltiples actos se realizan por toda la ciudad, los oficiales los organiza la Junta Central Fallera. Los que se celebran antes de las fiestas son:  La Cridà, La Exposición del Ninot, Cabalgata del Ninot y la Cabalgata del Reino. Y, por supuesto, también durante la semana fallera:  La Plantà, recogida de premios, La Ofrenda (L’Ofrena), La Nit del Foc y por supuesto, La Nit de la Cremà; en la cual quemando los monumentos termina la fiesta.

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Si vienes a visitar esta fiesta popular no te olvides de alquilar apartamentos en Valencia Diviertete y cuidadito con el fuego, las hogueras y los faller@s

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La notable exposición “Por Laberintos”, comisariada y diseñada por Oscar Tusquets, con guión de Ramón Espelt y asesoramiento de Jorge Wagensberg, se exhibirá hasta el 29 de mayo en el Centro Cultural Bancaja. La exposición coproducida por el CCCB realiza un repaso al concepto del laberinto a lo largo de la historia, que se ilustra con obras de diferentes artistas y formatos.

En las cuatro salas de la exposición se explora en los laberintos unicursal, aquellos de recorrido único, donde la entrada coincide con la salida; a través de la obra de los arquitectos Ben Nicholson y Luis Longhi, y de los artistas contemporáneos Robert Morris, Richard Long y Ferry Fox.  También se explora el laberinto multicursal, o de caminos que se bifurcan y algunos no tienen salida, como el creado por el arquitecto Giovanni Fontana, en el siglo XV.

El laberinto como construcción y símbolo está presente en casi todas las culturas y épocas de la humanidad. Está formada por encrucijadas complejas e intencionales para confundir a quienes se encuentran dentro, siendo un juego y un desafío a la psiquis que ha despertado fascinación al hombre, porque es fácil entrar y un reto salir.

El cine, la literatura y el arte han experimentado con la angustia que significa encontrarse en un laberinto, un espacio abierto que somete al individuo a reflexionar con la posibilidad de quedar atrapado en el espacio y el tiempo, separados del resto de la humanidad  por sólo unas paredes. Casi una metáfora de la vida, que se convierte en terror entre las paredes que simbolizan las circunvalaciones del cerebro.

El laberinto debe su nombre a la construcción que diseñó Dédalo a solicitud del Rey Minos de Creta, para mantener a su hijo Minotauro, mitad toro mitad hombre que se alimentaba de carne humana y que cada nueve años, a fin de apaciguarlo, Atenas imponía como tributo a siete mujeres y siete jóvenes para alimentarlo. Minotauro había sido enviado por Poseidón para castigar una ofensa. Ante esta crueldad impuesta por Minos, Teseo se ofreció como víctima para salvar a Atenas del monstruo. Ariadna, hija de Minos y enamorada de Teseo, le ofrece un ovillo de hilo de oro que le había entregado Dédalo para que lo ate a la entrada y logre salir tras dar muerte al monstruo.

Esta leyenda expresa en forma simbólica las múltiples verdades respecto al comportamiento humano y la naturaleza del hombre, donde el simbolísmo del laberinto es la cárcel, que no sólo contiene al monstruo, sino que a toda la sociedad aterrorizada con sus propios fantasmas y donde la salida pasa por la memoria, donde todos los caminos son de ida y vuelta, de muerte y nacimiento.

Jorge Luis Borges en su obra El Aleph recurre al laberinto como metáfora hermética y simbólica de la conciencia. El laberinto es la representación de la mente y para liberarse de ella, es preciso morir, como única posibilidad de salir del laberinto y encontrar la libertad.

Para mas detalles por favor consulta la web: http://www.masdearte.com/index.php?option=com_elements&view=guia&id=5&Itemid=28&layout=guia

Nancy Guzman

Estas maravillosas construcciones que han causado curiosidad y miedo podrá conocerlas si viaja a Valencia, luego podrá despejar sus laberintos con una buena cena bien regada con el mejor vino y retirarse a descansar en apartamentos en Valencia

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