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Desde el 23 de mayo al 17 de julio el Instituto Valencia de Arte Moderno presenta la exposición Gigantes por su propia naturaleza, dedicado al arte de Brasil actual a través de importantes artistas de la vanguardia del siglo pasado y nuevos representantes de la creación artística.

La idea de esta muestra es capturar la esencia de Brasil a través del arte y reflexionar sobre la influencia que tiene su exuberante belleza, la riqueza multicultural y la expresividad de su gente en la creación de generaciones de artistas, que a pesar de los altos y bajos de la historia de este país no han dejado de usar los tonos cálidos para representar la realidad. Es por ello que la muestra toma la frase de la primera estrofa del himno nacional de brasil: Gigante por la propia naturaleza, Eres bello, eres fuerte, impávido coloso, Y tu futuro refleja esa grandeza.

Al igual que el Carnaval de Río, lleno de color, musicalidad, sensualidad y expresividad, la muestra es un resumen de una sociedad que se ha hecho conocida por su creación musical, el cine, la literatura  y la arquitectura.

Entre los artistas participantes están  Emmanuel Nassar, Lygia Pape, Hilal Sami Hilal, Adriana Varejão, Rosa Magalhães, Arthur Bispo do Rosario, Beatriz Milhares, Ernesto Neto, Volpi, Guignard, Ana María Maiolino entre otros.

Emmanuel Nassar nació en el estado de Pará, Brasil, en 1949. Estudió arquitectura en la Universidad de Pará y ha sido profesor de la Escuela de Artes Visuales de la misma universidad.  Su trabajo en pintura tiene reminiscencias del pop, pero con un profundo sentido de lo popular brasilero y especialmente de su zona del norte de Brasil. Trabaja con tonalidades intensas y materiales precarios que interviene. Participó en la Bienal de Venecia de 1993 y en XXIV Bienal de Sao Paulo, recibió la Orden al Mérito Cultural de Brasil el 2006.

Lygia Pape nació en Nova Friburgo, en 1927 y murió el 2004 en Río de Janeiro. Fue escultora, grabadora, cineasta y una precursora en el arte contemporáneo de Brasil. Se acercó al concretismo y en 1957, tras integrarse al Grupo del Frente, participa en el Manifiesto del Neoconcreto. El concretismo fue un movimiento vanguardista que nació en los años 30 y que planteaba la objetuación o representación de ideas abstractas en una realidad de carácter universal con empleo de elementos geométricos, cercano a la arquitectura. La obra de Lygia está signada por la libertad en el uso de lenguajes, formatos y la incorporación del espectador en la obra.

Ernesto Neto es un joven artista conceptual que se inicia con éxito a fines de los 80. Sus instalaciones biomórficas de grandes dimensiones, en colores blancos o muy cercanos a él, construidas en materiales sintéticos a los que agrega algunas especias aromáticas, llevan a que los espectadores interactúen con la obra, la toquen la huelan y la sientan como algo vivo es muy llamativo. Este interesante artista representó a Brasil en la Bienal de Venecia de 2001 con la obra Vik Muniz.

Para más información http://www.ivam.es/exposiciones/2858-gigantes-por-su-propia-naturaleza

Nancy Guzman

Si usted ama la bossa nova y las garotiñas le guiñan los ojos en sus sueños, quiere decir que es un amante de Brasil. Por eso, si se encuentra en apartamentos en Valencia ven a conocer el sentido profundo de este gigante del sur a través de su arte y sus artistas.

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No dejo de criticar a los actos recientes que aparecen. Estoy realmente cansada de todo el sonido indie, de los pantalones ajustados, de todos esos insoportables que se ajustan los pantalones creyendo que esto es Williamsburg, que se ponen las palestinas y los lentes oscuros, hombrecitos flacos, que no tienen garra. Delafé y las Flores Azules es para toda esa gente, si, para ellos, y contra todo pronóstico para ti también, así como lo oyes.

Esta banda arrancó en Barcelona allá por el 2002, y ganan un concurso de “jóvenes promesas” organizado por el ayuntamiento del Masnou. Con su canción “Mar el poder del mar” siguen los éxitos y videos, basta revisar YouTube para ver toda la lista que han hecho estos chicos. Es más, esa canción fue parte de una promoción de primavera del (nefasto para mí) Corte Inglés. ¿Integridad musical? ¡Eso a quién le importa! Se trata de seguir haciendo música y venderse por todas partes, ¿no?

El sonido de Delafé y las Flores azules va desde un rap sensual por ratos, con toque trip-hop y elegancia, todo envuelto en una ensoñación pop con claro, toques super indies, letras sensuales que enternecen y conmueven. Sin bordear lo “emo”, estos chicos andan con el corazón roto sólo para entretenerte, sacarte a pasear por Barceloneta, a solas en primavera, sin nadie que te de la mano. Ser romántico no implica ser miserable, todo lo contrario, dandis de las Ramblas, por supuesto.

En el 2010 editan “Las Trompetas de la Muerte”, disco que arranca con “Hoy”, tema que tiene reminiscencias a lo primero de Jeanette, con baterías electro acompañando una voz distraída, tanto melancólica como llena de vida. “Río por no llorar” es un caso raro: teclados con reverberación y ecos mientras un rapeo gracioso va de un lado a otro, alegrando. “Mejor” es otro rap envuelto en teclados; esto no es gangsta style, esto es “barna style”. Las letras encajan donde deben, no sé cuánto de trascendencia en ellas, si algo de ternura. Y así sigue el viaje, “La Primavera” quizás sea tu canción favorita.

El pop en España sigue afincado en las largas raíces de Elefant Records y Belle and Sebastian, parece. La pregunta es hasta cuándo más de todo esto seguirá pasando. No sé quien dijo por ahí que el Pop no podía ser sexual y sexy, enfadado, dramático pero lacerante, algunas cosas se siguen perdiendo con los años. En vivo Delafé es de lo más divertido claro, gente saltando aquí haya por el escenario, así que no te faltará algo entretenido que se te caiga de las manos, y algún niño coqueto que te mire de reojo. Ahora, que te lleve a la cama, ve a saber tú. Como siempre recomiendo, busca las camisetas de Motorhead. El concierto será en la conocida sala Wah Wah, por aquí más info: http://www.wahwahclub.com/

SISTER RAY

Creo que está bien conseguir apartamentos en Valencia y ver a los Delafé y las Flores Azules. De todo concierto se aprende algo nuevo; así como se goza se entiende mejor de cómo van las cosas, estructuras sociales, el futuro del drama por el que te toca caminar, día a día.

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Un diseñador gráfico de San Francisco, Michael Tompert, escogió como proyecto de arte la destrucción de todo tipo de productos de Apple. El resultado de este costoso experimento fue una serie de fotografías de gran formato. Cada producto era nuevo antes de ser destruido.

Tompert pasó los últimos meses comprando lo último en tecnología de Apple para destruirlo de diversas formas. “Tenían que ser productos nuevos. Esta obra es sobre nuestra relación con las cosas nuevas”, dijo el artista. Algunos equipos fueron víctimas de un arma de fuego, otros fueron puestos en una vía de tren. “El más difícil de romper fue el iPad”, dijo Tompert, “es prácticamente indestructible”. El equipo resistió los golpes de varias herramientas sin romperse por lo cual Tompert usó un soplete y calentó el aparato hasta que el interior comenzó a hervir y el equipo estalló.

De acuerdo al diseñador, su propósito es que las personas piensen en su relación con estos gadgets populares. El artista se propuso hacer realidad el cliché clásico de que los productos de la manzana son, en si mismos, obras de arte del diseño, llevándolos mas allá al convertirlos en esculturas tras golpearlos, perforarlos , aplastarlos y quemarlos. Inmortalizándolos a través de la fotografía.

Según Tompert, la inspiración llegó la Navidad pasada, cuando le regaló a sus hijos unos iPod Touch. los chicos comenzaron a pelear por los equipos, y Tompert, cansado de la disputa, tomó uno y lo lanzó furiosamente al suelo.“Estaban shockeados, contó el artista, la pantalla se rompió y el líquido se salía. Tomé mi cámara y lo fotografié”.

De este modo, la destrucción de un iPad, un iPhone y un Macbook plasmada en doce imágenes de gran formato representan, según Tompert, una crítica a la obsesión con los productos de Apple y al consumismo tecnológico en general.

Los usuarios que se sintieron afectados por la obra y por las declaraciones de Tompert se defienden diciendo que no usan los productos de Apple porque sean más bonitos o porque tengan mejor diseño, sino porque son útiles, sus aplicaciones son productivas y porque no generan problemas. Otros dicen que hubieran preferido los equipos como regalo antes que su destrucción.

Para algunos espectadores, la obra constituye efectivamente una critica al consumismo y a la actual sumisión del hombre a la tecnología, pero, para otros, la obra también pone de relieve a la empresa de Steve Jobs, resultando una buena publicidad para la marca. Algunos ven una critica, otros un homenaje. Tal vez sea ambas cosas. El mismo Tompert afirmó ser “un admirador de Apple desde el primer día”.

Critica, homenaje, o ganas de llamar la atención. Vos decidís. Si te interesan el arte y la tecnología, en Valencia se hallan las mejores galerías de arte moderno, alquila apartamentos en Valencia y saca tus propias conclusiones sobre la importancia de esta obra del arte contemporáneo.

Laura Aurelia

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