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Mou Huan es uno de los artistas chinos más famosos e influyentes que existen en la actualidad y, por ese motivo, el Instituto de Arte Moderno de Valencia lo recibirá desde el 4 de octubre hasta el 4 de diciembre. Huan ya había expuesto en el IVAM junto con otros 15 artistas del país asiático pero esta es la primera vez que llega a España para realizar una muestra exclusiva.

Huan tiene como punto de partida lo que él considera como algunas de las peores cosas que están sucediendo actualmente en el mundo. Por ese motivo en su obra se pueden ver ataques terroristas, la sociedad dominada por el consumismo y la fabricación en cadena, catástrofes naturales y más.

En la muestra se podrán disfrutar de más de 20 obras que son las más recientes del pintor. Lo más importante dentro de su pintura es la persona. Según Huan explicó su última serie gira en torno a las personas y por eso los escenarios parecen envolverlas. En ellas se pueden ver la soledad, la fragilidad y el aislamiento entre otros sentimientos de desolación.

Una de las pinturas más emocionantes que se podrán observar es la que ilustra el terremoto que afectó a China en el año 2007 o una que tiene que ver con el atentado que sufrieron las Torres Gemelas e incluso algo mucho más actual como la muerte del terrorista Bin Laden.

Esta colaboración está impulsada por el convenio que se realizó entre el IVAM y la Asociación Internacional de Cultura de Shangai que se creó con la intención de traer a algunos de los más importantes artistas chinos a Valencia.

Más información: http://www.ivam.es/exposiciones/2878-mou-huan

Instituto de Arte Moderno de Valencia: Guillem de Castro, 118, 46003 Valencia, España

MiLK

Por este motivo si tienes ganas de disfrutar de uno de los artistas asiáticos más importantes de la actualidad lo único que tienes que hacer es alquilar apartamentos en Valencia y visitar el IVAM.

Contáctame 

La moda sigue abriéndose paso en la cultura contemporánea como centro de nuevas estéticas y resulta de procesos complejos de síntesis, creación y producción. Desde la moda se comprenden valores complejos de cómo se articula la cultura actual, así como las tendencias estéticas de vestir a nivel global. Considerar que la moda es una operación de elite es en naturaleza correcto. Pero de la misma manera la moda funciona para comprender que se está cociendo en las ciudades más importantes del planeta. Y es que a la moda no se llega solo desde el diseño de alta costura. La presencia de elementos urbanos como naturales, espacios geográficos y políticos, definen los estilos de temporadas uno tras otro. Creer que la utilidad de la pasarela es solo para desfiles, es no ver que en esta exhibición se pasean cuerpos que atraviesan las sociedades y culturas, en una operación compleja.

Un ejemplo desde Valencia: Francis Montesinos. El es uno de esos personajes únicos que la cultura produce, que realmente no sabes cómo clasificarlos o de qué manera verlos, pero simplemente sabes que son geniales, que sus creaciones rompen esquemas y que nada mejor que dejarse llevar por su arte. Este diseñador tan conocido, es muy apreciado por su deseo constante de crear nuevas cosas y causar asombre con sus desfiles que son más que desfiles, sino también espectáculos de importante envergadura. Con más de treinta años en  la moda internacional, Francis Montesinos ocupa un lugar importante e indiscutible en el diseño español y mundial.

Sin duda, el estilo de Francis Montesinos es altamente mediterráneo, en la que coloridos adornos no dejan de estar presentes con un refinamiento particular. Nacido en Valencia, estudio en la Escuela de Artes y Oficios de esta ciudad. Sus colecciones se han presentado en las capitales de la moda internacional, entre éstas París, Berlín, Madrid y Barcelona. El estilo de Montesinos apunta hacia lo tradicional como a lo arriesgado. Sus colores aluden tanto a la tierra como al mar, colores de primavera y otoño que se mezclan en una combinación elegante y atrevida al mismo tiempo.

¿Pero en qué reside el éxito de un diseñador de moda? Con seguridad, son tiempos en que entre mejor se pueda sintetizar un estilo en diversas facetas y formas, mejores serán los resultados a ver posteriormente. La moda no es un recurso simple y mucho menos fácil de crear. En la moda, se establecen patrones de vestir que alcanzan dimensiones que no nos percatamos a primera vista. A veces vemos diseños que resultan demasiado arriesgados o imposibles de vestirse en la vida cotidiana. Sin embargo, son estos diseños que por ratos aparecen inalcanzables como la esencia de la ropa a la que accede un público mayoritario. Los desfiles funcionan como estanterías conceptuales, recintos o momentos precisos en los que la combinación de color, tela y movimiento generan nuevas opciones para otros diseñadores. Para conocer el trabajo de Montesinos, visita su página web: http://www.francismontesinos.com/

Alexa Ray

Consigue apartamentos en Valencia y conoce de cerca el trabajo de Francis Montesinos así como lo mejor de la moda en España. Valencia te espera con sus hermosas calles y siempre animada vida nocturna.

Contáctame 

Javier Calvo nació en Valencia en el año 1941 y estudió pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes en San Carlos que también está ubicada en su ciudad natal pero también lo complementó con estudios en París. De estos dos estudios terminó siendo profesor de Artes Plásticas y Diseño en la Escuela de Arte Superior de Diseño de Valencia y colabora actualmente con canales televisivos, artículos en diferentes periódicos y revistas y con diferentes fundaciones.

En esta oportunidad el artista presentará una exposición donde exhibirá “su seducción por la estructuración geométrica” de la moda en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) hasta el 13 de noviembre. En la muestra se podrán disfrutar de casi 80 obras que conforman la serie de pinturas que están catalogadas bajo la serie “Geometría y moda”. En ella se puede observar la voluminosidad de la alta costura pero en la que no se usó ni siquiera una curva.

Calvo estuvo trabajando en esta creación, que está patrocinada por Corts valencianes y Gráficas Selvi, durante nada menos que 5 años. El artista explicó que, primero, lo que hizo fue estudiar a fondo la tipología de los sombreros y los vestidos de manera tridimensional y, a partir de ahí, creó la arquitectura de los mismos.

La exposición está conformada por 35 dibujos, 44 pinturas y una filmación en la que se puede ver como Calvo trabajó las diferentes pinturas en su estudio.

Lo que se quiere mostrar a través de la presentación es la relación que existe entre la arquitectura de las prendas de la alta costura y el arte contemporáneo.

Más información: http://www.ivam.es/exposiciones/2876-javier-calvo-geometra-moda

Instituto Valenciano de Arte Moderno: Guillem de Castro, 118, 46003 Valencia

MiLK

Si tienes ganas de visitar la obra que protagoniza el artista valenciano Javier Calvo lo único que tienes que hacer es alquilar apartamentos en Valencia y disfrutar, además, de una ciudad llena de cultura, comidas, monumentos y museos para conocer.

Contáctame 

Hasta el 11 de noviembre el Centro Cultural Bancaja de Valencia presenta la exposición fotográfica de imágenes de España de comienzos del siglo pasado, Atesorar España. La muestra está organizada por la Fundación Bancaja junto con la Hispanic Society of America, quién puso a disposición su fondo privado fotográfico compuesto de 345 imágenes. Del total, 268 serán exhibidas en Valencia y 77 estarán en una exposición en el Centro Cultural Bancaja de Alicante.

La exposición comisariada por el fotógrafo, catedrático y conservador de la colección Joaquín Bérchez, fue cuidadosamente organizada seleccionando lo más representativo entre 175.00 fotografías que conforman la colección privada de Archer Milton Huntington, fundador de la Hispanic Society of America.

Las fotografías seleccionadas remiten a un tiempo pretérito, que memorizan y documentan una España pobre, subdesarrollada, que cautiva el foco de un grupo de fotógrafos que marcaron la historia de la fotografía. El particular ángulo muestra un Madrid despoblado y la construcción de una serie de obras que hoy son monumentos históricos.

Entre los fotógrafos más relevantes de esta muestra está el galés Charles Clifford, quien desarrolló casi toda su carrera en España. En los primeros años de su carrera utilizó el daguerrotipo, luego empleó la técnica del calotipo y finalmente usa las placas de vidrio de colodón húmedo, por la nitidez que daba a la fotografía.

Clifford ha sido encasillado como un fotógrafo de paisaje, monumentos y construcciones urbanas. Una de las obras más conocidas es el Canal de Isabel II que fue tomada en su construcción como acueducto de Madrid. Fotografió vistas de Madrid y viajó por casi toda España tomando instantáneas memorables, como los retratos costumbristas de cantaores y gitanos.

La arquitecta y fotógrafa norteamericana Anna Christian fue una cultora de la imagen que llegó a España en 1915 gracias a las recomendaciones de Joaquín Sorolla.  Sus fotografías reflejan la profundidad de la cultura hispánica en imágenes de pescadores, tabernas, casitas de trabajadores del campo.

El maestro alemán Kurt Hielscher viajó durante cinco años por España sacando fotografías, llegando a obtener 2.000 instantáneas, entre las que se encuentran imágenes de lugares remotos cuyas únicas imágenes son las de Hielscher.

Entre los españoles destacan los creadores de la escuela fotográfica como Emilio Beauchy, José Ortiz Echagüe o Casiano Alguacil, entre otros.

Las fotografías de Emilio Beauchy documentan el último tercio del siglo XIX en Andalucía. La fotografía más famosa captada por Beauchy es el cuadro costumbrista titulado Café Cantante y fue tomada en 1885. Esta foto es un clásico tablao sevillano y ha servido para mostrar la historia de la fotografía universal.

Nada mejor que la fotografía para mirar por el retrovisor a nuestra sociedad. En cada una de estas magnificas imágenes hay un trozo de la España olvidada.

Para más informaciones http://obrasocial.bancaja.es/cultura/exposiciones/exposicionesficha.aspx?ID=367

Nancy Guzman

Si quiere pegarse un recorrido por la memoria de España, esta es la ocasión de hacerlo y el vehículo son estas 345 imágenes, así que si está pasando unos días de pasión, diversión y relajo en apartamentos en Valencia acérquese al Centro Cultural Bancaja.

Contáctame 

En uno de sus admirables cuentos carnívoros, el inquietante escritor belga Bernard Quiriny se coloca en la piel de un profesional del asesinato para relatarnos la ocasión en que este cobró unos honorarios que alcanzaban los seis dígitos en dólares por primera vez. La persona que tenía que ser liquidada era un búlgaro llamado Yavorov que había sido mercenario en todos los países del antiguo bloque comunista. Cuando su muerte fue contratada, Yakorov trabajaba en la región danubiana de Sterpinia, que a la sazón constituía el mayor foco de inestabilidad de Europa central. Allí trabajaba como asistente personal y guardaespaldas de un tal Gospodinov, hombre clave en la vida política del país y único garante, pese a la ignorancia total de estos detalles por parte del asesino, de la precaria estabilidad de la ficticia región, potencial polvorín cuya explosión tenía el potencial de sacudir a todo el continente.

Pese la maestría del ejecutor, en el momento de apretar el gatillo Gospodinov se interpuso inesperadamente entre el blanco y la bala, que le alcanzó letalmente en la sien. Un segundo disparo privó de la vida también a Yakorov y el asesino, herido en la conciencia y en el amor propio tanto por su imprudencia como por haber matado a dos hombres por el precio de uno, emprendió con pánico y éxito la huida.

Cuando poco más tarde se enteró de que el ejercito había tomado el poder desencadenando una sangrienta guerra civil que aún no ha terminado al final del relato, no pudo evitar pensar que tal vez la bala que precipitó la Primera Guerra Mundial  no había buscado arrancar la vida al archiduque Francisco Fernando “y que los causantes de ciertas tragedias históricas habían podido ser metepatas de mi especie”.

Sea como fuere, lo cierto es que la bala impactó en el cuerpo del archiduque y con ella acabó el evocador periodo histórico europeo que conocemos con el nombre de Belle Époque. Fue está una época particularmente contradictoria que podemos caracterizar como la aparente calma que precede a la tormenta. Estuvo dominada por la tensión entre un viejo mundo que moría indefectiblemente llevándose con él todo un concepto de civilización (insostenible ante el cambio de paradigma en todos los ordenes de la vida—científico, tecnológico, filosófico, psicológico, sociológico, político, sexual, literario, artístico…–que iban produciendo la revolución industrial burguesa y sus contradicciones) y el nuevo mundo preñado de posibilidades y esperanzas infinitas y multiformes en el progreso de la especie que se anunciaba cada día.

Frente al estallido de las vanguardias históricas, la nueva clase dominante buscaba su legitimación imitando a su manera el estilo de vida de la aristocracia derrotada en una perpetua danza social de esnobs y advenedizos retratada magistralmente por Marcel Proust. En este contexto el arte pasó a gozar de una importancia inusitada, y en especial el arte del retrato, que alcanzó un auge sin precedentes que jamás ha sido igualado, como podemos comprobar en la exposición Retratos de la Belle Époque que se puede visitar en el Centro del Carmen de Valencia (2, Calle Del Museo)  hasta el 30 de junio.

Paul Oilzum

Es una buena oportunidad para disfrutar de la fecunda obsesión de la Belle Époque por la belleza que acaso no quiera perderse cuando alquile apartamentos en Valencia

Contáctame 

Desde el 23 de mayo al 17 de julio el Instituto Valencia de Arte Moderno presenta la exposición Gigantes por su propia naturaleza, dedicado al arte de Brasil actual a través de importantes artistas de la vanguardia del siglo pasado y nuevos representantes de la creación artística.

La idea de esta muestra es capturar la esencia de Brasil a través del arte y reflexionar sobre la influencia que tiene su exuberante belleza, la riqueza multicultural y la expresividad de su gente en la creación de generaciones de artistas, que a pesar de los altos y bajos de la historia de este país no han dejado de usar los tonos cálidos para representar la realidad. Es por ello que la muestra toma la frase de la primera estrofa del himno nacional de brasil: Gigante por la propia naturaleza, Eres bello, eres fuerte, impávido coloso, Y tu futuro refleja esa grandeza.

Al igual que el Carnaval de Río, lleno de color, musicalidad, sensualidad y expresividad, la muestra es un resumen de una sociedad que se ha hecho conocida por su creación musical, el cine, la literatura  y la arquitectura.

Entre los artistas participantes están  Emmanuel Nassar, Lygia Pape, Hilal Sami Hilal, Adriana Varejão, Rosa Magalhães, Arthur Bispo do Rosario, Beatriz Milhares, Ernesto Neto, Volpi, Guignard, Ana María Maiolino entre otros.

Emmanuel Nassar nació en el estado de Pará, Brasil, en 1949. Estudió arquitectura en la Universidad de Pará y ha sido profesor de la Escuela de Artes Visuales de la misma universidad.  Su trabajo en pintura tiene reminiscencias del pop, pero con un profundo sentido de lo popular brasilero y especialmente de su zona del norte de Brasil. Trabaja con tonalidades intensas y materiales precarios que interviene. Participó en la Bienal de Venecia de 1993 y en XXIV Bienal de Sao Paulo, recibió la Orden al Mérito Cultural de Brasil el 2006.

Lygia Pape nació en Nova Friburgo, en 1927 y murió el 2004 en Río de Janeiro. Fue escultora, grabadora, cineasta y una precursora en el arte contemporáneo de Brasil. Se acercó al concretismo y en 1957, tras integrarse al Grupo del Frente, participa en el Manifiesto del Neoconcreto. El concretismo fue un movimiento vanguardista que nació en los años 30 y que planteaba la objetuación o representación de ideas abstractas en una realidad de carácter universal con empleo de elementos geométricos, cercano a la arquitectura. La obra de Lygia está signada por la libertad en el uso de lenguajes, formatos y la incorporación del espectador en la obra.

Ernesto Neto es un joven artista conceptual que se inicia con éxito a fines de los 80. Sus instalaciones biomórficas de grandes dimensiones, en colores blancos o muy cercanos a él, construidas en materiales sintéticos a los que agrega algunas especias aromáticas, llevan a que los espectadores interactúen con la obra, la toquen la huelan y la sientan como algo vivo es muy llamativo. Este interesante artista representó a Brasil en la Bienal de Venecia de 2001 con la obra Vik Muniz.

Para más información http://www.ivam.es/exposiciones/2858-gigantes-por-su-propia-naturaleza

Nancy Guzman

Si usted ama la bossa nova y las garotiñas le guiñan los ojos en sus sueños, quiere decir que es un amante de Brasil. Por eso, si se encuentra en apartamentos en Valencia ven a conocer el sentido profundo de este gigante del sur a través de su arte y sus artistas.

Contáctame

Un diseñador gráfico de San Francisco, Michael Tompert, escogió como proyecto de arte la destrucción de todo tipo de productos de Apple. El resultado de este costoso experimento fue una serie de fotografías de gran formato. Cada producto era nuevo antes de ser destruido.

Tompert pasó los últimos meses comprando lo último en tecnología de Apple para destruirlo de diversas formas. “Tenían que ser productos nuevos. Esta obra es sobre nuestra relación con las cosas nuevas”, dijo el artista. Algunos equipos fueron víctimas de un arma de fuego, otros fueron puestos en una vía de tren. “El más difícil de romper fue el iPad”, dijo Tompert, “es prácticamente indestructible”. El equipo resistió los golpes de varias herramientas sin romperse por lo cual Tompert usó un soplete y calentó el aparato hasta que el interior comenzó a hervir y el equipo estalló.

De acuerdo al diseñador, su propósito es que las personas piensen en su relación con estos gadgets populares. El artista se propuso hacer realidad el cliché clásico de que los productos de la manzana son, en si mismos, obras de arte del diseño, llevándolos mas allá al convertirlos en esculturas tras golpearlos, perforarlos , aplastarlos y quemarlos. Inmortalizándolos a través de la fotografía.

Según Tompert, la inspiración llegó la Navidad pasada, cuando le regaló a sus hijos unos iPod Touch. los chicos comenzaron a pelear por los equipos, y Tompert, cansado de la disputa, tomó uno y lo lanzó furiosamente al suelo.“Estaban shockeados, contó el artista, la pantalla se rompió y el líquido se salía. Tomé mi cámara y lo fotografié”.

De este modo, la destrucción de un iPad, un iPhone y un Macbook plasmada en doce imágenes de gran formato representan, según Tompert, una crítica a la obsesión con los productos de Apple y al consumismo tecnológico en general.

Los usuarios que se sintieron afectados por la obra y por las declaraciones de Tompert se defienden diciendo que no usan los productos de Apple porque sean más bonitos o porque tengan mejor diseño, sino porque son útiles, sus aplicaciones son productivas y porque no generan problemas. Otros dicen que hubieran preferido los equipos como regalo antes que su destrucción.

Para algunos espectadores, la obra constituye efectivamente una critica al consumismo y a la actual sumisión del hombre a la tecnología, pero, para otros, la obra también pone de relieve a la empresa de Steve Jobs, resultando una buena publicidad para la marca. Algunos ven una critica, otros un homenaje. Tal vez sea ambas cosas. El mismo Tompert afirmó ser “un admirador de Apple desde el primer día”.

Critica, homenaje, o ganas de llamar la atención. Vos decidís. Si te interesan el arte y la tecnología, en Valencia se hallan las mejores galerías de arte moderno, alquila apartamentos en Valencia y saca tus propias conclusiones sobre la importancia de esta obra del arte contemporáneo.

Laura Aurelia

Critica, homenaje, o ganas de llamar la atención. Vos decidís. Si te interesan el arte y la tecnología, en Valencia se hallan las mejores galerías de arte moderno, alquila apartamentos en Valencia y saca tus propias conclusiones sobre la importancia de esta obra del arte contemporáneo.

Contáctame 

En el periodo comprendido entre1948 y 1951, años de su fundación y disolución respectivamente, el mundo del arte fue testigo de las actividades del estimulante grupo de vanguardia COBRA, nombre formado a partir de las iniciales de las tres ciudades (Copenhague, Bruselas y Ámsterdam ) donde residían sus miembros, entre los que podríamos destacar a artistas tan destacados como el belga Pierre Alechinsky, el holandés Karel Appel, y el danés Asger Jorn.

El grupo, coordinado por el pintor, poeta y creador de logogramas belga Christian Dotremont, hizo gala de una su admiración y querencia por un arte prehistórico y primitivo lejos de toda sofisticación. De alguna forma a su manera pioneros también del arte conceptual, los artistas de COBRA rechazaron la deriva de la cultura occidental en favor de un arte de la espontaneidad basado en la experimentación.

Junto al arte primitivo, el arte de los niños y el de los así llamados enfermos mentales ejercieron también sobre ellos una sensible influencia. No obstante sus intenciones revolucionarias y su deseo de crear un arte nuevo para la gente—intentaron fusionar texto e imagen, optaron a menudo por la colocación de pinturas y esculturas bien en zonas muy altas de la pared, bien directamente en el suelo y le dieron la vuelta al concepto de readymade duchampiano llegando por ejemplo a exponer patatas (producto perecedero que por tanto hay que ir reponiendo cada vez que se exhibe, siéndole otorgado a cualquiera que lo hiciera el derecho de reemplazar legítimamente al autor de la obra) en una vitrina de cristal—hoy día son recordados sobre todo por sus cuadros de colores jubilosos y brillantes.

Con ellos, junto a la obra del pintor, escultor, realizador de películas y escritor danés Per Kirkeby y otros exponentes del periodo expresionista nórdico de posguerra, parecen resonar los cuadros del prestigioso y prometedor pintor noruego Morten Slettemeås , cuya estimulante obra ofrecerá, tras haber sido presentada con un éxito estimable  en las ferias de Madrid, Bolonia, Roma, Puerto Rico y México, la galería Luis Adelantado de Valencia a partir del próximo viernes veinticinco de marzo hasta el sábado 11 de junio de 2011

El título de la exposición Sticks & Stones (Palos y piedras),  hace referencia a un proverbio inglés, Stick & Stones may break my bones (but words will never hurt me) que se pronuncia cuando alguien quiere dar a entender que no se le puede hacer daño con nada que se diga o escriba en contra de él o ella—proverbio, por cierto sometido a una deliciosa suerte de detournement por Neil Hannon en la extraordinaria canción de The Divine Comedy Sticks & Stones (may break my body but words can tear me apart).

En la muestra, se aprecian también guiños y referencias, especialmente en lo relativo a los temas y estructura de los cuadros, a la pintura barroca española de los siglos XVII y XVIII, que es sin embargo inteligentemente subvertida mediante un cierto enfoque cercano a la óptica del esperpento.

Para mas detalles: http://www.luisadelantadovalencia.com/index_news_esp.htm

Paul Oilzum

Si alquila apartamentos en Valencia por estas fechas acérquese a la galería Luis Adelantado y déjese sacudir y seducir por la perversamente exquisita profanación que aroma el mundo de Slettemeås.

Contáctame 

Hasta el 25 de abril se presenta en el Museo Valenciano de la Ilustración Moderna la exposición Ilustraciones 1970-2010 del gran dibujante e ilustrador Miguel Calatayud. La muestra antológica está formada por 382 obras estructuradas en 4 áreas, donde encontramos comics, libros infantiles, colaboraciones en revistas y prensa.

La exposición se enmarca en el objetivo del MuVim de difundir las obras que han construido la historia del cartel y el libro ilustrado desde los inicios del siglo XX a la actualidad en España. La obra de Calatayud, en ese sentido, no sólo es parte de la historia del cartel y el libro ilustrado, sino que representa la renovación en la plástica española en la segunda mitad del siglo XX y aporte a la estética del comics y el cuento infantil.

Miguel Calatayud Cerdán nació en Aspe, Alicante, en 1942. Realiza sus primeros estudios de dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas de Murcia y se licencia, posteriormente, en Grabado y Pintura en la Facultad de San Carlos de Valencia. Su carrera como ilustrador se inició en los años 70 cuando comienza a colaborar en las series Peter Petrake y Los doce trabajos de Hércules para la revista La Trinca. Sus dibujos hermosos y estilizados, sumados al dominio del color y la maravillosa trama narrativa lo hacen destacar rápidamente, no sólo como ilustrador, sino como un artista del comics y la narración.

Sin embargo su búsqueda estética de un dibujo más sofisticado lo ha llevado a incursionar en interesantes líneas vanguardistas, que evocan a Picasso, con algunos trazos de cubismo. Como él mismo lo ha confesado “he tenido que estar muy atento a todos los movimientos artísticos del mundo” para llegar a transformar la ilustración en un arte.

Su pasión por la narrativa infantil lo ha llevado a desarrollar historias apasionantes sobre personajes llenos de humor y fantasía. En su libro M’alicias construye una zaga de doce relatos breves en torno a un encantador personaje, similar a Alicia del cuento de Carrol Lewis, pero modernizada, cuyas locuras se inician en un momento de aburrimiento frente al ordenador y corre a buscar aventuras en el refrigerador. Este libro que hace las delicias de niños y padres, fue seleccionado como una de las cien obras más destacadas de literatura infantil española del siglo XX, en el VI Simposio de Literatura Infantil y Lectura organizado por la Fundación Germán Sánchez Ruipérez el año 2000. Su empeño por seducir a los niños con la literatura lo llevó a ilustrar obras de García Lorca y Cervantes.

Resulta interesante el espacio que da la exposición a los carteles realizados por Calatayud. Entre las curiosidades está el diseñado para el Festival de Jazz de Madrid 1991. El cartel realizado con estilo minimalista en blanco y negro para la prensa, tiene un interesante estilo cercano al cubismo, donde juega con la perspectiva, la figuración y las líneas rectas. En cada cartel se nota la magistral creatividad  y la depurada técnica.

Para más información http://www.muvim.es/home.html

Nancy Guzman

Para recorrer casi medio siglo del dibujo y la ilustración de Miguel Calatayud, nada mejor que acercarse a esta exposición si te encuentras en apartamentos en Valencia Luego podrás disfrutar esta maravillosa ciudad.

Contáctame 

Desde el 1° de marzo se abrirán las puertas del IVAM para exhibir la Muestra Antológica del gran escultor español Baltasar Lobo. La muestra que termina el 1° de mayo de 2011, refleja el lenguaje maduro, propio e inequívoco que aúna su obra escultórica, especialmente en las obras realizadas en mármol y bronce.

En la colección de piezas que ha elegido el IVAM para rendir homenaje al escultor, se busca destacar la perfección de su modelado que logra esculturas de líneas puras que traspasan al espectador la plasticidad táctil de sus obras.

Baltasar Lobos nació en 1910, en el seno de una familia humilde de la localidad de Cerecinos de Campos, Zamora. Desde su infancia demostró tener dotes para el dibujo y el modelado. A los 12 años ingresó como ayudante aprendiz al taller del escultor Ramón Nuñez en Valladolid, a la vez que se iniciaba como modelador en la Escuela de Artes y Oficios. En 1927 pudo continuar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, gracias a una beca.

Fue incansable en el perfeccionamiento académico y un seguidor de la vanguardia artística española de esos años: Picasso, Dalí, Miró, Gargallo, entre otros. A pesar de su autoexigencia en el trabajo escultórico no dejó de participar en política y afectarse por las grandes discusiones de la época. Su activa militancia en el anarquismo lo hizo adherir a la Central Nacional de Trabajadores, realizando numerosos diseños para las publicaciones ácratas de la época. Como muchos artistas e intelectuales se sumó junto a su esposa, Mercedes Comaposada, a los republicanos durante la Guerra Civil. A su terminó, salió al exilio en Paris.

En Paris se instala en el estudio del escultor Henri Laurens, quien influirá en la obra de Lobos con sus formas simples y el gusto por los volúmenes curvos, propios de la estructura postcubista en la escultura. Su proceso figurativo de simplificación va a continuar durante los años 40, para continuar en un camino a la abstracción y la limpieza en las formas.

Su interés en la figura femenina se traducirá en una iconografía donde circulan bañistas, maternidades y ninfas, más tarde aparecerán los centauros. Dos obras destacan su sentido monumental y reflejan su inclaudicable compromiso social, son las esculturas de desnudos masculinos dedicadas “A los españoles muertos por la libertad” (Annecy, 1948) y el “Homenaje al poeta León Felipe” (Zamora, 1983).

Durante la época franquista Baltasar León se vio impedido de mostrar su obra en España, lo cual lo hizo ser reconocido internacionalmente y desconocido en su patria. Sólo en la década de los 80 pudo reencontrarse con España, reconociéndole su trayectoria y el aporte a las artes universales y españolas, a través del Premio Nacional de las Artes 1984 y el Premio Castilla y León de las Artes en 1985.

Para más información http://www.ivam.es/exposiciones/2853-baltasar-lobo

Nancy Guzman

Si viene por Valencia no olvide recorrer la maravillosa muestra de Baltasar Lobo, ahí no sólo verá esculturas, también verá la constancia, los sueños, el compromiso y la maestría de un gran español que jugó con las formas y los materiales para producir obras de arte. Como los sueños son contagiosos, vaya a descansar en apartamentos en Valencia el cuerpo y el alma para seguir soñando.

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