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Évidemment, il y a une différence significative entre les mains d’hommes et une main de femme. Sur la partie supérieure de votre main, vous remarquerez facilement les différents significatifs entre les mains de femmes et une main d’homme. Les mains de femmes sont souvent plus petites que celles des hommes. Évidemment, les mains les hommes sont souvent plus ” masculine”. En creusant suffisamment, des études ont montré que les mains des femmes avaient tendance à être ” de plus en plus masculines”. Qu’est-ce que cela signifie?

Les femmes étudiées qui ont sélectionné les images des mains les plus ” masculines” n’ont pas nécessairement montré une préférence pour des mains sans manucure. Il y a de plus subtiles différences entre les mains des hommes et des femmes. Il est possible que chacun remarque ces différences sans en être conscient.

Les subtiles différences entre les mains.

Les mains humaines sont une partie extraordinaire du corps chez la femme et chez l’homme. Par exemple, certaines personnes peuvent grimper sur des surfaces verticales en supportant tout leur poids au bout de leurs doigts. C’est parce que les muscles des mains sont bien plus puissants que vous ne le croyez. En ce qui concerne les mâles et les femelles, la testostérone et le trop jeune ont un impact significatif sur le développement de doigts.

Les caractéristiques du corps se développent de façon différente chez l’homme et chez la femme et son généralement le produit des hormones sexuelles, hormones qui jouent aussi un rôle dans le développement des doigts. Les femmes ont souvent l’annuaire et l’index de la même taille, alors que les hommes ont l’index plus court que l’annuaire. Comme les niveaux de testostérone et d’autres gènes affectent différentes zones du cerveau, les doigts peuvent nous parler des capacités ou des atouts de cette personne. Vous trouverez une variété de mains et de doigts à regarder à Valence, alors profitez de votre séjour pour passer du bon temps.

dkathleend

Vous trouverez une variété de mains et de doigts à regarder si tu loueras un des appartements à Valence alors profitez de votre séjour pour passer du bon temps.

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Traduit par: osito
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Si tu as vécu les années 80 Mecano a probablement été un groupe qui sonne encore et encore dans ta tête, ainsi qu’Ana Torroja te perturbe probablement plus d’une fois avec sa beauté. Mecano termine sa carrière au début des années 90. Suite à ses adieux le groupe laisse tant de bonnes vibrations que son silence n’a été qu’une longue nostalgie qui continue encore aujourd’hui. Même si Mecano s’origine en partie dans ce qui s’est connu comme la Movida Madrileña, pensons à des groupes comme Alaska y Pegamoides, Radio Futura, Nacha Pop et Aviador Dro entre autres, le son de ce trio se caractérise pour être d’un raffinement pop exquis, parfois amusant et joueur, mais à d’autres moments d’une mélancolie hautement éthérée. La silhouette d’Ana Torroja se contournant lentement avec les chansons et sa voix de cygne illuminaient les scènes et causaient l’ardeur et la passion de tout le monde.

En fait Mecano commence comme un groupe de synth pop en 1981, formé par les frères Cano, Nacho et José Maria et par la diva Ana Torroja à Madrid. Avec le retour de la démocratie en Espagne et l’expérimentation propre de la Movida, Mecano se fait connaitre avec la chanson Hoy no me puedo levantar, chanson sur les jeunes qui font la fête et qui expérimentent des gueules de bois glamoureuses. Leur premier disque est donc devenu un emblème pour la jeunesse osée de cette époque. Le disque du même nom Mecano, représentait l’esprit du moment et l’attitude osée des jeunes de l’époque, avec un grand degré de naïf à travers de la voix d’Ana.

Avec le temps, le phénomène Mecano arriverait de la même façon en Amérique Latine, où ils auraient un succès important avec des chansons comme “Me colé en una fiesta”, “Me cuesta tanto olvidarte” et “Hijo de la Luna”. Leur disque “Descanso Dominical” de 88, avec des hits comme “La fuerza del destino” et “Mujer contra Mujer”, avait des chansons en versions française, anglaise et italienne, ce qui les installa encore plus dans la scène internationale en croisant la frontière de la langue. Après s’être séparé en 93 pour revenir en 98 avec le disque Ana, José, Nacho, chargé de nouvelles chansons et de grands succès, le groupe s’est séparé pour faire des projets personnels chacun de leur coté et Ana a été celle qui a eu réellement du succès dans sa carrière en solo. Toutefois en 2005, Nacho compose une comédie musicale basée sur 32 chansons de leur groupe, qui forment ce qui est aujourd’hui Hoy no me puedo levantar, la comédie musicale.

De cette façon, cette comédie musicale fait revivre la passion avec les meilleurs hits qui consacrèrent Mecano. La comédie musicale commence en 2005 en faisant quatre saisons à Madrid, une tournée qui mene toute la compagnie dans 30 villes d’Espagne, ainsi qu’une saison complète à Barcelone qui a été un succès sans précédents en battant des records imprévus. Donc cette comédie musicale à fait vibrer plus de deux millions de spectateurs dans toutes l’Espagne.

Pour plus d’information sur la comédie musicale et les entrées: http://www.hoynomepuedolevantar.com/

SISTER RAY

Cela vaut la peine de louer un des appartements à Valence et ne pas manquer ce fabuleux spectacle qui est déjà dans sa tournée d’adieu. Si tu n’as jamais écouté Mecano, c’est peut-être le bon moment pour entre dans leur monde musical de rêve.

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Traduit par: françoise
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Dans l’un de ces admirables centres carnivores, l’inquiétant écrivain belge Bernard Quiriny rentre dans la peau d’un professionnel de l’assassinat pour nous raconter cette fois comment il touchait les honoraires d’un montant à six chiffres, en dollars, pour la première fois. La personne devant être liquidée était un Bulgare appelé Yavorov qui avait été mercenaire dans tous les pays de l’ancien bloc communiste. Quand sa mort fut contractée, Yakorov travaillait dans la région du Danube de Sterpinia, qui en ce temps constituait la zone plus instable d’Europe centrale. Il y travaillait comme assistant personnel et gardes du corps d’un certain Gospodinov, homme-clé dans la vie politique du pays et unique garant, malgré l’ignorance totale de ces détails de la part de l’assassin, de la stabilité précaire de cette région factice, potentiel baril de poudre dont l’explosion pouvait faire trembler le continent.

Malgré l’habilité de l’exécutant, au moment d’appuyer sur la gâchette, Gospodinov s’interposa entre la cible et la balle, et fut tué sur le coup. Un second tir ôta la vie à Yakorov et l’assassin, blessé dans sa conscience et son amour-propre autant pour son imprudence que pour avoir tué deux hommes pour le prix d’un seul, fut pris de panique et choisit la fuite.

Quand un peu plus tard, il se rendit compte que l’armée avait pris le pouvoir pour déchaîner une guerre civile sanguinaire qui n’était pas encore terminée au final de ce récit, il ne put s’empêcher de penser que la balle qui avait déclenché la première guerre mondiale n’avait peut-être pas cherché à ôter la vie à l’archiduc Francisco Fernando ” et que les causes de certaines tragédies historiques pourraient bien être dues à des maladroits de son genre”.

Quoi qu’il en soit, une chose est sûre, c’est que la balle a belle et bien touché le corps de l’archiduc et qu’avec elle s’est arrêtée la période historique européenne que nous connaissons comme la Belle Époque. Ce fut une époque particulièrement contradictoire que nous pouvons caractériser par le calme apparent qui précède la tourmente. Elle fut dominée par la tension entre l’ancien monde mourant indéfectiblement, emportant avec lui tout un concept de civilisation (qui ne résistait pas de changement de paradigme à tous les niveaux de la vie – scientifique, technologique, philosophique, psychologique, sociologique, politique, sexuelle, littéraire, artistique…- qui allaient produire la révolution industrielle bourgeoise et ses contradictions) et le Nouveau Monde empreint de possibilités d’espoir infini et multiforme dans le progrès de l’espèce qui s’annonçait chaque jour.

Devant l’explosion des avant-gardes historiques, la nouvelle classe dominante cherchait sa légitimation en imitant à sa manière le style de vie de l’aristocratie en déroute dans une danse sociale de ce nom était parvenu, magnifiquement dépeinte par Marcel Proust. Dans ce contexte, l’art prix une importance inhabituelle, surtout l’art des portraits, qui atteignit un climax sans précédent, comme nous pouvons le constater avec l’exposition “Portraits de la Belle Époque” qui peut être visitée au centre del Carmen de Valence (2, Calle Del Museo) jusqu’aux 30 juin.

Paul Oilzum

C’est une bonne opportunité pour profiter de la féconde obsession de la Belle Époque pour la beauté que l’on ne doit pas laisser passer lorsqu’on loue des appartements à Valence

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Traduit par: osito
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Du 10 mai au 17 juin l’Institut Valencien d’Art Moderne présentera l’exposition Géants par leur propre nature, dédiée à l’art actuel du Brésil à travers d’importants artistes de l’avant-garde du siècle dernier et des nouveaux représentants de la création artistique.

Le but de cette exposition est de capturer l’essence du Brésil à travers de l’art et de réfléchir sur l’influence de son exubérante beauté, la richesse multiculturelle et l’expressivité de ses gens dans la création de générations d’artistes, qui malgré les hauts et les bas de l’histoire de ce pays n’ont pas arrêté d’utiliser les tons chauds pour représenter la réalité. C’est pour cela que l’exposition prend comme titre la phrase de la première strophe de l’hymne national du Brésil : Géant par ta propre nature, tu es beau, tu es fort, impavide colosse, et ton futur reflète cette grandeur.

Tout comme le Carnaval de Rio, plein de couleur, musique, sensualité et expressivité, l’exposition est un résumé d’une société qui s’est fait connaitre pour sa création musicale, cinématographique, littéraire et architectonique.

Entre les artistes y participant il y a Emmanuel Nassar, Lygia Pape, Hilal Sami Hilal, Adriana Varejão, Rosa Magalhães, Arthur Bispo do Rosario, Beatriz Milhares, Ernesto Neto, Volpi, Guignard, Ana María Maiolino et bien d’autres.

Emmanuel Nassar est né en 1949 dans l’état de Para au Brésil. Il a fait des études d’architecture à l’Université de Para et a été professeur de l’Ecole d’Arts Visuels de cette même université. Son travail en peinture a des réminiscences de la pop, mais avec un profond sens du populaire brésilien et spécialement de sa zone du nord du Brésil. Il travail avec des tonalités intenses et des matériaux précaires qui interviennent. Il a participé à la Biennale de Venise en 1993 et à la 24^ème Biennale de Sao Paulo et il a reçu l’Ordre du Mérite Culturel du Brésil en 2006.

Lygia Pape est née à Nova Friburgo, en 1927 et est morte en 2004 à Rio de Janeiro. Elle a été sculptrice, graveuse, cinéaste et précurseur de l’art contemporain brésilien. Elle s’est approché au concrétisme et en 1957, après avoir intégré le Groupe du Front, elle a participé au Manifeste du Néoconcret. Le concrétisme a été un mouvement avant-gardiste qui est né dans les années 30 et qui concevait la représentation des idées abstraites dans une réalité de caractère universel en employant des éléments géométriques, proche à l’architecture. L’œuvre de Lygia est signée par la liberté dans l’usage de langages, formats et l’incorporation du spectateur dans l’œuvre.

Ernesto Neto est un jeune artiste conceptuel qui a commencé avec succès à la fin des années 80. Ses installations biomorphiques de grandes dimensions, en blanc ou très près du blanc, construites avec des matériaux synthétiques auxquels il ajoute quelques épices aromatiques, permettent au spectateur d’interagir avec l’œuvre, de la toucher et la sentir comme quelque chose de vivant et de très attirant. Cet intéressant artiste a représenté le Brésil à la biennale de Venise en 2001 avec l’œuvre Vik Muniz.

Pour plus d’information http://www.ivam.es/exposiciones/2858-gigantes-por-su-propia-naturaleza



Nancy Guzman

Si tu aimes la bossa nova et que les garotiñas te font de l’œil dans tes rêves, c’est que tu es un amant du Brésil. C’est pour cela que, si tu te trouves dans un des appartements à Valence il faut que tu découvres le sens profond de ce géant du sud à travers de son art et de ses artistes.

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Traduit par: françoise
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Je n’arrête pas de critiquer les actes récents qui apparaissent. Je suis vraiment fatigué de tout le son indie, des pantalons moulants, des tous ces insupportables avec leurs pantalons moulants qui pensent que ça c’est Williamsburg, avec leurs lunettes noirs, des petits hommes maigre qui n’ont pas de style. Delafé y las Flores Azules est pour tous ces gens là, oui pour eux et contre tout pronostique pour toi aussi, et oui c’est comme ça.

Ce groupe commença à Barcelone en 2002 et gagna un concourt de jeunes promesses organisé par la mairie de Masnou. Avec leur chanson “Mar el poder del mar” ils continuent leurs succès et vidéos, il suffit de regarder sur YouTube pour voir toute la liste des chansons de ces gars là. En plus, cette chanson fit partie d’une promotion de printemps du (néfaste pour moi) Corte Inglés. Intégrité musical ? Cela n’intéresse personne ! Il s’agit de continuer à faire de la musique et de vendre de partout.

Le son de Delafé y las Flores Azules va du rap sensuel par moments, avec une touche de trip-hop et d’élégance, le tout enveloppé dans une style pop avec une touche claire de super indie, des paroles sensuelles qui attendrissent et émeuvent. Sans border le Emo, ces gars ont le cœur brisé seulement pour t’entretenir, t’accompagner en promenade dans Barcelonnette, tout seul au printemps, sans personne pour te prendre de la main. Etre romantique n’implique pas forcement d’être misérable, bien au contraire, dandies des Ramblas, évidement.

En 2010 ils éditent “Las Trompetas de la Muerte”, disque qui commence avec “Hoy”, chanson qui a des réminiscences de Jeanette, avec des batteries électro qui accompagne une voix distraite, autant mélancolique que pleine de vie. “Río por no llorar” est un cas rare : clavier avec réverbération et échos pendant qu’un rap amusant va d’un coté à l’autre. “Mejor” est un autre rap enveloppé par le clavier, cela n’est pas du gangsta style, c’est du barna style. Les paroles s’ajustent parfaitement où elles doivent, avec beaucoup de transcendance et un peu de tendresse. Et le voyage continu comme ça, “La Primavera” sera peut-être ta chanson préféré.

Apparemment le pop en Espagne continu lié aux longues racines d’Elefant Records et Belle and Sebastian. La question est jusqu’à quand cela va-t-il durer. Je ne sais plus qui à dit que le pop ne pouvait pas être sexuel et sexy, fâché, dramatique mais lacérant, quelques choses continues de se perdre avec les années. En live Delafé est des plus amusant, avec des gens qui sautent sur scène, donc il ne te manquera pas quelqu’un d’amusant qui te tombe dans les bras, et même un beau mes qui te regard du coin de l’œil. Et pour qu’il te mène au lit, c’est à toi de jouer. Comme toujours je recommande de chercher les t-shirt de Motorhead. Le concert aura lieu dans la célèbre salle Wah Wah. Pour plus d’info : http://www.wahwahclub.com/

SISTER RAY

Je crois que ce serait cool de louer un des appartements à Valence et aller voir les Delafé y las Flores Azules. De tout concert on apprend quelque chose de nouveau : selon comment on profite on comprend mieux les choses, structures sociales, le futur du drame au couse duquel tu dois marcher, jour après jours.

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Traduit par: Pablo
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Un designer graphique de San Francisco, Michael Tompert, a choisi comme projet d’art la destruction de tous types de produits Apple. Le résultat de cette coûteuse expérience et d’une série de photographie de grand format. Chaque produit étaie neuf avant de le détruire.

Tompert a passé les derniers mois a acheté le dernier cri en matière de technologies Apple pour le détruire de manière diverse. « Cela devait traître des produits neufs. Cette œuvre parle de notre relation avec les choses neuves », dit l’artiste. Certains des ordinateurs ont été victimes d’une arme à feu, d’autres ont été jetés sous un train. « Le plus dur à détruire a été le iPad », commente Tompert, « il est pratiquement indestructible ». Le gadget à résister aux coups de plusieurs outils sans se casser, ce qui a poussé Tompert a utilisé un chalumeau et à chauffer l’appareil jusqu’à ce que l’intérieur commence à fondre et que l’iPad explose.

Selon le designer, le but est que les personnes pensent leurs relations avec ses gaietés populaires. L’artiste a voulu grande réelle le cliché bien connu que les produits de cette marque sont, en eux-mêmes, les œuvres d’art de design, en les élevant au statut de sculptures après les avoir frappé, perforé, aplati ou brûlé. En les immortalisant au travers de la photographie.

Selon Tompert, l’inspiration bienvenue Noël dernier, quand il a offert à ses enfants un iPod Touch. Ils commencèrent à se battre pour l’avoir, et Tompert, a-t-il et la dispute, le prix et le lança purement sol. « Ils étaient choqués, raconte artistes, l’écran se brisait une liquidant les sorties. J’ai pris mon appareil photo et je l’ai photographié ».

De cette façon, la destruction d’un iPad, d’un iPhone ou d’un Macbook sur une douzaine d’images de grand format représente, selon l’artiste, une critique de l’obsession pour les produits d’Apple et à la consommation technologique en général.

Les utilisateurs qui se sentirent affectés par l’œuvre par les déclarations de l’artiste se défendaient en disant qu’il n’utilisait pas les produits d’Apple parce qu’ils étaient plus jolis parce qu’il devint meilleur design, mais parce qu’ils sont utiles, leurs applications sont productives et qu’ils ne posent pas de problème. D’autres disent qu’ils auraient préféré qu’on leur donne les appareils avant de les détruire.

Pour certains spectateurs, l’œuvre constitue effectivement une critique de la consommation et de l’actuelle soumission de l’homme à la technologie mais, pour d’autres, l’œuvre met aussi en relief entreprise de Steve Jobs, résultat de bonne publicité pour la marque. Certains critiques, d’autres un hommage. C’est peut-être les deux. Tompert lui-même affirme qu’il est un admirateur d’Apple depuis le premier jour.

Critique, hommage, ou envie d’attirer l’attention. Vous déciderez. Si la technologie nous intéresse, il y a Valence Niort galerie d’art moderne. Louer des appartements à Valence et tirer vos propres conclusions sur l’importance de cette œuvre d’art contemporain.

Laura Aurelia

Critique, hommage, ou envie d’attirer l’attention. Vous déciderez. Si la technologie nous intéresse, il y a Valence de nombreuses galeries d’art moderne. Louer des appartements à Valence et tirer vos propres conclusions sur l’importance de cette œuvre d’art contemporain.

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Traduit par: osito
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Dans la période comprise entre 1948, année de sa fondation et 1951, année de sa dissolution, le monde de l’art a été témoin des activités du stimulant groupe d’avant-garde COBRA, nom formé à partir des initiales des trois villes (Copenhague, Bruxelles et Amsterdam) où vivaient ses membres, entre lesquels on pourrait citer des artistes remarquables comme le belge Pierre Alechinsky, l’hollandais Karel Appel et le danois Asger Jorn.

Le groupe coordonné par le peintre, poète et créateur de logogrammes, le belge Christian Dotremont, a fait preuve d’une grande admiration pour un art préhistorique et primitif sans aucune sophistication. D’une certaine façon ils ont été aussi à leur manières des pionniers de l’art conceptuel, les artistes de COBRA rejetèrent la dérive de la culture occidentale en faveur d’un art de spontanéité basé sur l’expérimentation.

En plus de l’art primitif, l’art des enfants et de ceux qu’on appelle malades mentaux exercèrent aussi sur eux une sensible influence. Malgré leurs intentions révolutionnaires et leur désir de créer un art nouveau pour les gens, aujourd’hui on se souvient d’eux surtout pour leurs tableaux de couleurs vives et brillantes. Mais ils ont essayé de fusionner texte et image, ils ont souvent opté pour mettre des peintures ou des sculptures soit très haut sur un mur soit directement au sol et ils ont retourrné le concept de readymade de Duchamp en exposant par exemple des pommes de terre (produit périssable qu’il fallait donc changer à chaque fois qu’il était exhibé, donnant donc à celui qui le faisait le droit de remplacer légitimement l’auteur de l’œuvre) dans une vitrine en verre.

Avec eux, à coté de l’œuvre du peintre, sculpteur, réalisateur de films danois Per Kirkeby et d’autres exposants de la période expressionniste nordique d’après-guerre, les tableaux du prestigieux et prometteur peintre norvégien Morten Slettemeås paraissent résonner. Après voir été présenté avec un succès considérable dans les foires de Madrid, Bologne, Rome, Puerto Rico et Mexico, son œuvre sera exhibée à la galerie Luis Adelantado de valence à partir de 25 mars et jusqu’au 11 juin 2011.

Le titre de l’exposition Sticks & Stones (Bâtons y Pierres), fait référence à un proverbe anglais qui dit: Stick & Stones may break my bones (but words will never hurt me), qui signifie les bâtons et les pierres peuvent me briser les os (mais les mots ne me blesserons jamais). Proverbe soumis à une sorte de détournement par Neil Hannon dans l’extraordinaire chanson de The Divine Comedy Sticks & Stones (may break my body but words can tear me apart).

Dans l’exposition, on peut voir des clins d’œil et des références, spécialement dans les relatifs aux thèmes et structures des tableaux, à la peintures baroque espagnole des siècles XVII et XVIII, qui est cependant intelligemment perturbée au moyen d’une certaine approche à l’optique de l’épouvantail.

Pour plus d’informations: http://www.luisadelantadovalencia.com/index_news_esp.htm

Paul Oilzum

Si tu loues un des appartements à Valence à ces dates, rends toi à la galerie Luis Adelantado et laisse toi séduire par l’exquise et perverse œuvre de Morten Slettemeås.

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Traduit par: françoise
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Le plus attractif de la Coupe, c’est qu’il s’agit traditionnellement du trophée des surprises, une compétition où en théorie tout est possible et où les équipes qui n’ont pas tenu la distance pour la Ligue, ont une possibilité de gagner un titre important.

Néanmoins, les dernières années, la coupe a été dévaluée, due au fait que l’on a trop eu la sensation que les colosses espagnoles, le Real Madrid et Barcelona F.C., ne s’intéressait pas à ce trophée et préféraient centrer leurs énergies sur la lutte pour des titres de plus grand prestige comme la Ligue ou la coupe d’Europe.

L’exemple le plus extrême est probablement l’élimination du tout-puissant club de la capitale d’Espagne par une équipe de seconde B, qui leur fit subir l’humiliation de les battre quatre à zéro en match aller, égratignant l’image du club.

L’un des objectifs du Madrid pour cette saison et de reconstruire son image en remportant la coupe et en y mettant tout son art, de façon à battre le Barca et à récupérer sa position hiérarchique dans le football espagnol (et mondial), ce qui provoqua du côté du club catalan une vive réaction pour un club qui a remporté dernièrement en coupe d’Europe et 6 Ligues.

Les deux équipes possédant un impressionnant palmarès autant dans la ligne en coupe d’Europe se différencient par le résultat pour la coupe (une pour le Madrid et trois pour le Barça). Néanmoins, cette année, près de 30 ans après l’ultime finale qui fit s’affronter les deux protagonistes, nous les verrons de nouveaux en liste pour la finale le 23 avril prochain sur le terrain neutre du stade de Mestella à Valence.

On peut raisonnablement penser qu’il s’agit, autant pour un fanque pour un spectateur neutre, d’une finale de rêve. Non seulement, vont se rencontrer deux équipes qui forment l’une des rivalités plus légendaires du football international, mais nous verrons aussi la tête des deux clubs les plus riches de la planète et des deux stars les plus médiatiques et les mieux payés de la terre, l’Argentin Leo Messi et le portugais Cristiano Ronaldo.

Le Barça part favori. Il a non seulement gagné le Real Madrid dans la majorité de leur duel, mais il compte aussi avec le joueur qui à été choisis ballon d’or durant les deux dernières saisons et avec la moelle épinière de la sélection nationale espagnole qui a réussi les championnats européens et mondiaux des deux dernières années. Aucun éloge de son jeu ne paraît exagéré. Néanmoins, en fin de ligne droite jouant son titre, le Madrid compte avec des footballeurs dont la qualité suffirait pour renverser le sort.



Paul Oilzum

La moitié de la ville attend avec impatience ce match le 23 avril. Vous pourrez de vivre en direct louer des appartements à Valence

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Traduit par: osito
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Jusqu’au 25 avril le Musée Valencien de l’illustration Moderne présente l’exposition Illustrations 1970-2010 du grand dessinateur et illustrateur Miguel Calatayud. L’exposition anthologique est composée de 382 œuvres disposées dans 4 zones, où nous trouverons des bandes dessinées, des livres pour enfants et des collaborations avec des revues et des journaux.

Le but de cette exposition et l’objectif du MuVIM est de diffuser les œuvres qui ont construits l’histoire de l’affiche et du livre illustré en Espagne depuis le début du 20^ème siècle jusqu’à nos jours. L’œuvre de Calatayud, ne fait pas seulement partie de l’histoire de l’affiche et du livre illustré, mais représente aussi la rénovation de la plastique espagnole de la seconde moitié du 20^ème siècle et les apport à l’esthétique de la bande dessinée et du conte pour enfant.

Miguel Calatayud Cerdan est né à Aspe, Alicante, en 1942. Il réalisa ses premières études de dessin à l’Ecole d’Art Appliqué de Murcia et se licencia ensuite en gravure et peinture à la Faculté de San Carlos à Valence. Sa carrière comme illustrateur commença au début des années 70 quand il commença à collaborer dans les séries Peter Petrake et Les douze travaux d’Hercules pour la revue La Trinca. Ses dessins beaux et stylées, additionner à la domination des couleurs et à une merveilleuse trame narrative lui permette de se faire rapidement remarquer, non seulement comme illustrateur mais aussi comme artiste de bandes dessinées.

Cependant sa recherche esthétique d’un dessin plus sophistiqué le mena à réaliser une incursion dans d’intéressantes lignes avant-gardistes, qui évoquent Picasso, avec quelques traits de cubisme. Comme il le dit lui-même “j’ai du être très attentif à tous les mouvements artistiques du monde” pour arriver à transformer l’illustration en art.

Sa passion pour la narration infantile le mena à développer des histoires passionnantes sur des personnages plein d’humour et de fantaisie. Dans son livre M’alicias il présente douze récits brefs autour d’un charmant personnage, similaire à Alice de Carrol Lewis, mais modernisé, dont les folies commencent dans un moment d’ennui face à son ordinateur et court chercher des aventures dans le réfrigérateur. Ce livre qui fait le bonheur des grands comme des petits, fut sélectionné comme l’une des cents œuvres les plus remarquables de la littérature infantile espagnole du 20^ème siècle, dans le 6^ème Symposium de Littérature Infantile et Lecture organisé par la Fondation German Sanchez Ruiperez en 2000. Son désir de séduire les enfants avec la littérature le mena à illustrer des œuvres de Garcia Lorca et de Cervantes.

L’espace que l’exposition réserve aux affiches réalisées par Calatayud est très intéressant. Parmi les curiosités il y a l’affiche réalisé pour le Festival de Jazz de Madrid de 1991. L’affiche réalisée avec un style minimaliste en noir et blanc pour la presse, a un intéressant style proche du cubisme, où il joue avec la perspective, la figuration et les lignes droites. Dans chaque affiche on remarque sa magistrale créativité et la pureté de sa technique.

Pour plus d’information : http://www.muvim.es/home.html

Nancy Guzman

Pour parcourir presque un demi-siècle du dessin et de l’illustration de Miguel Calatayud, rien de mieux que d’aller voir cette exposition si tu te trouves dans un des appartements à Valence Ensuite tu pourras profiter de cette merveilleuse ville.

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Traduit par: Pablo
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Depuis le 1^er mars l’IVAM ouvrira ses portes à l’Exposition Anthologique du grand sculpteur espagnol Baltasar Lobo. L’exposition qui se termine le 1^er mai 2011, reflète le langage mûr, propre et évident que rassemble son œuvre, spécialement dans les œuvres réalisées en marbre et en bronze.

La collection de pièces choisies par l’IVAM pour rendre hommage au sculpteur, cherche à faire remarquer la perfection de son modelage qui donne des sculptures avec des lignes pures qui transmettent au spectateur la plasticité tactile de ses œuvres.

Baltasar Lobo est né en 1910, dans le sein d’une famille humble de la localité de Cerecinos de Campos, Zamora. Depuis son enfance il démontre un talent pour le dessin et le modelage. A 12 ans il entre comme apprenti dans l’atelier du sculpteur Ramon Nuñez à Valladolid, en même temps qu’il s’initie comme modeleur à l’Ecole d’Arts et Métiers. En 1927 grâce à une bourse il peut poursuivre ses études à l’Ecole des Beaux-arts de San Fernando à Madrid.

Il est infatigable dans le perfectionnement académique et suit l’avant-garde espagnol de cette époque : Picasso, Dali, Miro, Gargallo et bien d’autres. Malgré son auto-exigence dans le travail sculptural il participe dans la politique et s’implique dans les grandes discussions de l’époque. Son militantisme actif dans l’anarchisme le mène à se joindre à la Centrale Nationale de Travailleurs, en réalisant de nombreux dessins pour les publications anarchistes de l’époque. Comme beaucoup d’artistes et d’intellectuels, son épouse Mercedes Comaposada et lui, se sont unis aux républicains durant la Guerre Civile. A la fin de celle-ci il s’est exilé à Paris.

A Paris il s’installe dans le studio du sculpteur Henri Laurens, qui influera dans son œuvre avec ses formes simples et le goût pour les volumes courbes, propre de la structure post-cubiste. Son processus figuratif de simplification va continuer pendant les années 40, pour poursuivre un chemin vers l’abstraction et la propreté des formes.

Son intérêt pour la silhouette féminine se traduit par une iconographie où circulent des baigneurs, des nymphes et plus tard apparaissent les centaures. Deux œuvres montrent sons sens monumental et reflètent son inébranlable compromis social, ce sont des sculptures de nus masculins “Aux espagnols morts pour la liberté” (Annecy, 1948) et “Hommage au poète Leon Felipe” (Zamora, 1983).

Pendant l’époque franquiste l’œuvre de Baltasar Lobo a été interdite en Espagne, ce qui a fait de lui un artiste reconnu internationalement mais inconnu dans son pays. C’est seulement à partir des années 80 qu’il a pu se retrouver avec l’Espagne, qui a reconnu sa trajectoire artistique et son apport à l’art universel et espagnol, à travers du Prix National des Arts 1984 et du Prix Castilla y Léon des Arts en 1985.

Pour plus d’information http://www.ivam.es/exposiciones/2853-baltasar-lobo

Nancy Guzman

Si tu vas à Valence n’oublie pas de visiter la merveilleuse exposition de Baltasar Lobo, où tu pourras voir non seulement des sculptures mais aussi la constance, les rêves, le compromis et la maitrise d’un grand espagnol qui a joué avec les formes et les matériaux pour produire des œuvres d’art. Comme les rêves sont contagieux, vas te reposer le corps et l’âme dans un des appartements à Valence pour continuer de rêver.

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Traduit par: françoise
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